後世の作曲家がこぞって編曲に挑んだという事実が奇蹟的。
フランツ・シューベルトの歌の世界。わずか31年という生涯を駆け抜けた夭折の天才の真髄を抉る、管弦楽伴奏による詩と音楽の崇高さ。
ゲーテがいて、ハイネがいて、あるいはレルシュタープがいて。
そっと歌う僕の願いは
夜の中をあなたの許へ。
静かな森の中へ下りて来てください。
愛する人よ、僕のところへ！
「セレナード」（石井不二雄訳）
有名な旋律が僕たちの心をとらえる。
ここでのジャック・オッフェンバックの編曲は柔和で、特に弦のピツィカートをベースにした木管の響きが堪らない。トマス・クヴァストフのバリトンも深みがあり、また哀しみを湛え、真に迫る。
ひとたび刷り込まれた人間の思考パターンや感覚というのはなかなか変わるものではない。いや、基本的に変わらないものだと言っても良いのかも。それこそが良くも悪くも「個性」。
グスタフ・マーラーの音楽はどこをどう切り取っても彼の音楽だ。初期のものも壮年期のものも、そして晩年のものも筆遣いはもちろん円熟していくのだけれど、根底の音調は決して変わることがない。
台風一過の夏日にマーラー歌曲集。
ピエール・ブーレーズの「リュッケルト歌曲集」と「亡き子をしのぶ歌」を聴いて思った。これらの作品は交響曲第5番との共通性が論じられるが、ほぼ同時期に生み出されたものであるゆえそれも当然。一聴、明らかにマーラー的イディオムに溢れ、静寂の内に滔々と流れる旋律に心洗われる。ブーレーズの棒によって複雑で巨大な音の塊が至極透明感を獲得し、その上にオッターらの魅惑的な声が重なり、当時のマーラーの「内なる想い」を綴った見事な音楽として再創造される。決して冷徹でなく何とも直截的で温かく優しい音色で・・・。
人が物事を認識する時、視覚情報は85％を占めると言われる。音楽も、舞台や映像など目に見える形があることにより深掘りされ、作曲家が込めた意味が一層明快になるもの。
ピーター・セラーズが「リチュアライゼーション（儀式化）」と謳う「マタイ受難曲」を観て震えた。
「信仰」というものはそれぞれの心の内にある「形のないもの」、「表現不可能なもの」だと僕は思っていた。しかし、ピーター・セラーズ自身が”It’s not theatre. It is a prayer, it is a meditation.”「これは演劇ではありません。一種の祈りであり、瞑想なのです」と語るように、ラトルとベルリン・フィルは、ピーター・セラーズという稀代の演出家の協力を得、マーク・パドモア、マグダレーナ・コジェナーら一流の声楽陣とともに「マタイ受難曲」という名作を媒介にして、まさに「信仰」というものを「見える化」した。
何という奥深い「感動」か。第2部の、イエスが磔刑に遭い、死を迎えるまでの描写の深い祈り。これはもうそれぞれの役になり切るソリストたちの命の懸かったパフォーマンスだ。例えば、ペテロが裏切りを懺悔し、慟哭する後に続く、おそらく「マタイ」中最も有名な第39曲アルト・アリア「憐れみたまえ、わが神よ」の、ペテロの心を代弁する、そしてエゴにまみれる人類の心を清らかにする場面では、ダニエル・スタブラヴァの独奏ヴァイオリンとコジェナーの歌が完全に一体となる。哀しみと祈りがはっきりと「見える」のだ。
さらに、続く第40曲コラール「たとえあなたから離れても」の厳粛でかつ崇高な音楽にあらためて涙する。
