ティーレマン指揮バイロイト祝祭管の楽劇「神々の黄昏」（2008.7&8Live）を聴いて思ふ

思考は早かれ遅かれ現実化する。ならば思い切り夢を見ることだ。

どこを切り取っても呼吸が深く、音楽は生き生きとうねる。「神々の黄昏」第3幕におけるジークフリートの角笛の動機も何と艶めかしく、色香満ちるものだろう。

いかなる歴史の衣装も彼（＝ジークフリート）に制限を加えてはいなかったし、彼の外部で発生したいかなる状況も彼の行動を妨げてはいなかった。彼は、いかなるものに遭遇しても、生きる喜びの奥深い根源から定められているとおりに行動した。すなわち、激しい情動に培われた錯誤と混乱が周囲で重なり合って、彼に明白な破滅をもたらすほどになっても、この英雄は一瞬たりとも、死に直面してさえ、内奥の源泉が脈打って迸り出るのを妨げることはなく、また、滾々と湧き出る内なる生命の泉の必然的な流出以外の何ものにも、彼自身と彼の行動を支配する権利を認めなかったのである。
～ワーグナー著／三光長治訳「友人たちへの伝言」（法政大学出版局）P372

自身のダルマ（使命）を全うしたジークフリートは、ワーグナーが求め思い描いた真の英雄であり、そういう理想の男性の発見をエルザによって教えられたのだとワーグナーは言うのである。

ティーレマン指揮バイロイト祝祭管の楽劇「ジークフリート」（2008.7&8Live）を聴いて思ふ

さすがに「音楽さえ良ければ演出など関係ないのだ」というだけあって、（音楽だけを聴く限りにおいて）クリスティアン・ティーレマンの「ニーベルンクの指環」は本当に素晴らしい。何より4部作全部を俯瞰しての「全体観」に優れ、音楽が非常に見通し良い。

第2夜「ジークフリート」を聴く。
この楽劇は登場人物が森の小鳥を含めてわずか8人ということもあり、また物語の展開そのものが単調で、とっつきにくいきらいがなきにしもあらず。しかし逆に、それゆえにこそ歌手それぞれの力量が問われ、音楽上は「指環」全体の是非を左右するほどの鍵であるともいえる。その意味では2008年のバイロイト音楽祭での舞台は、ティーレマンの読みの深さもあり、管弦楽の深みも各々の歌手の歌も抜群で非の打ちどころがない。

ちなみに、「ジークフリート」はその第2幕までと第3幕以降との間には12年もの中断期間がある。果たしてその時間の意味するところは大きいのだが、三宅幸夫氏はこの件について次のように推測する（あくまで1982年当時）。

ティーレマン指揮シュターツカペレ・ドレスデンの「パルジファル」（2013.3.23Live）を観て思ふ

音楽さえきちんとしていれば演出などどうでも良いのだとクリスティアン・ティーレマンは語っているそうだ。確かに、音楽ははじめから終わりまで神々しく滔々と流れ、そのいかにもドイツのマイスター的風貌とあわせ、リヒャルト・ワーグナーのめくるめく精神世界を見事に描写する様は圧巻である。
第1幕前奏曲の、天から降る崇高な魂の調べ。そして、第3幕前奏曲の透明でありながら地鳴りの如く唸りを上げる音楽の激烈さに思わず喝采。
しかしながら、残念にもザルツブルク復活祭音楽祭のこの舞台を、僕は手放しで賞賛することができない。
第1幕、幕が上がっての、シュテフェン・ミリングのグルネマンツの容姿にそもそも違和感を覚えるのだ。そしてまたそれは第3幕においても同様。
近未来的（？）、前衛的な舞台美術のせいもあるだろう、しかし何より、パルジファルをはじめとし、この作品の鍵となるグルネマンツやクンドリの容貌がイメージとかけ離れているがゆえの興醒め感が最後まで僕には拭えないのである。

1851年の「友人たちへの伝言」の中でワーグナー自身は次のように書く。

ティーレマン指揮バイロイト祝祭管の楽劇「ワルキューレ」（2008.7&8Live）を聴いて思ふ

いかにもドイツのマイスター的重みと迫力。それでいて決して大味にならず細部に至って繊細。クリスティアン・ティーレマンの楽劇「ワルキューレ」を一言で評するなら全体最適と部分最適の完全性。それは、この時のオーケストラの技術的巧さもあるが、指揮者の全体把握力とリヒャルト・ワーグナーに対する尊敬と愛情によるところが大きい。ひょっとすると往年の指揮者と肩を並べる、否、それらを上回る、近年の音楽家の中でも随一の才能を誇るワーグナー指揮者であることを物語る録音だ。

第1幕前奏曲から音は分厚く、そして有機的。それでいて透明感溢れるのだから堪らない。ジークムントとジークリンデの邂逅が、わずか60分超という尺で描かれるこの幕の純愛表現はこうでなければならぬ。
何より、白眉は第3幕「岩山の頂」。第1場のブリュンヒルデの言葉は、後に自身が愛する男の生を肯定し、ジークリンデを激励する。ここでの音楽の力漲る勢いが素晴らしい。

生きるのよ、
愛のために！
あの人から授かった
愛の形見を救うのよ。
あなたの胎内でヴェルゼの血をひく子が育っています！
～日本ワーグナー協会監修／三光長治・高辻知義・三宅幸夫・山崎太郎編訳「ワルキューレ」（白水社）P113

ティーレマン指揮バイロイト祝祭管の楽劇「ラインの黄金」（2008.7&8Live）を聴いて思ふ

世のすべてが波動であることをリヒャルト・ワーグナーは教えてくれる。

「世界は私の鏡」だという。同時に、「あなたは私の鏡」でもある。
人は自分の中にあるものでしか物事を測れない。
自分が体験したことのない感情や思考を他人に見出すことは不可能。つまり、他人のことがわかるのは自分が「そう」であるからだ。
「ラインの黄金」の台本を読み、そして音楽を聴き、思った。
リヒャルト・ワーグナーは（本人に自覚あるか否かは別にして）詐欺師であり、二重人格者だったのだろうと。

権力欲と愛と、憎悪と慈悲と。
楽劇「ラインの黄金」はニーベルンクの物語の前史であるが、黄金の指環にまつわる登場人物それぞれの浅ましい思惑が錯綜し、（巨人族、小人族、あるいは神々というカテゴライズはすべて人間そのものであり）人間がこれまでの歴史の中でいかに物質に固執し、権力に翻弄されてきたのかがわかって面白い。特に第2場「広々とした山の高み」のヴォータンはじめとする神々の、最終的に没落するその発端となるエピソードが詳細に描かれているあたりの真実味！アルベリヒも、ローゲもヴォータンも、そしてフリッカやフライアですらリヒャルト・ワーグナーその人の化身なのだろう。

ティーレマン指揮ウィーン・フィルのベートーヴェン交響曲第9番を観て思ふ

抱き合おう、諸人よ。この口づけを世界に！
ベートーヴェンは交響曲第9番を通じて、もはや感情に左右される仮我の世界を脱し、空を体現する真我の世界に昇華するよう人々を説こうとした。終楽章の前3つの楽章の主題を否定し、「歓喜の主題」を導こうとする方法こそまさに孤高であり、悟りの境地である。

終楽章のチェロによる「歓喜の主題」直前の間のとり方といい、テンポが揺れ、うねる音楽の運びといい、クリスティアン・ティーレマンの解釈は明らかにフルトヴェングラーの様式をなぞろうとしているが、フルトヴェングラーの音楽がいわば曲線的で、しかもデュオニソス的であるのに対し、彼のものはいかにも直線的でアポロン的である（そもそも指揮姿自体があまりに律儀で正確なビートを刻む）。熱いと見せかけながらこれほどクールな演奏はほかにない。

「ゲーテ詩集」をひもといた。
第1楽章アレグロ・マ・ノン・トロッポ、ウン・ポコ・マエストーソの苦悩は「人間性の限界」に通じる。ベートーヴェンもゲーテ同様愚かな人間を諭す。

バティアシュヴィリのブラームスとクララ・シューマン

マキシム・ヴェンゲーロフ独奏のブラームスの協奏曲は何より自作のカデンツァが聴きものだった。主題をうまく組み合わせ、それでいて単調に陥らず、マキシムならではの味付けの施された正当なもので聴衆を魅了した。

協奏曲の聴きどころのひとつは間違いなくカデンツァだ。元来カデンツァというのはそういうものであるはずなのに、今の時代はほとんどの演奏家が冒険をしない（いや、できないと言った方が正しいか）。もちろん人口に膾炙したヨアヒムやクライスラーのものを使うのは（音楽的にも優れているから）僕的に不満でも何でもないのだが、新しい発見という意味を込めると時に独自のものを聴きたくなるというのも人情。そんな観点で音盤を探すことも多々あるものだから、先日感銘を受けたバティアシュヴィリがフェルッチョ・ブゾーニのカデンツァでブラームスを弾いていると知り、早速手に入れた。

第5楽章でまたしても頭が真っ白になった

今夜はティーレマン指揮するベートーヴェンの「田園」交響曲を観る。
この全集の興味深い点は、全9曲を4人の映像監督―すなわち、第1番、第2番、「コリオラン」序曲がブライアン・ラージ、「エロイカ」と第4番、第9番がアグネス・メート、第5番と「田園」がカリーナ・フィビヒ、第7番、第8番及び「エグモント」序曲がミヒャエル・バイヤーという布陣―が分担してプロデュースしているところ。見事にそれぞれの個性が出ており、映像演出という観点だけで視聴してみても相当に面白い気づきが得られる。
「田園」交響曲は現時点でベートーヴェンの9曲の最高傑作だと信じて疑わない僕だが、カリーナ・フィビヒのコマ割りやカメラ・ワークが特にツボにはまって観ていて本当に引き込まれる。例えば、オーケストラの後方から鳥瞰的に下降し、同時に指揮者にズームインする手法や、音楽の内声部を強調するべくその楽器にフォーカスを当てたりする方法が一層音楽を視覚的に捉えられるように補なわれているところが本当に素晴らしい。特に第6番のような標題音楽（といってもこの曲の場合、精神的な意味での感覚を音化した代物だけれど）の場合、こういう方法は非常に効果的だと思われる。音楽の意味がより確かに体感できるから。

宇宙的規模の一大ページェント

一昨日からベートーヴェンの第5交響曲を聴いていて、確かにこの音楽は古今東西稀に見る天才的傑作だと確信する一方で、あまりに形式が堅牢で、いくつものアプローチがあるように見えながら、実に解釈を選ぶ音楽なのではとあらためて思った。いや、モーツァルトの後期のシンフォニーと同じく、作品そのものの本質を捉えるために相応の年季が必要な作品なのだろう。まったく無駄のない、ということは解釈の余地のないある意味完璧な音楽。
そのことは、ティーレマンの全集の他の作品を耳にしたときにより一層感じる。例えば「エロイカ」シンフォニー。ベートーヴェンの真の意味での変革、転換期におけるマスターピースであるこの音楽こそ、外に向かうエネルギーの、宇宙的規模の一大ページェントであることが再認識される。コレステロール過大でなく、もちろん物足りなさも全くない、聴き終わった後に相当の満足感に浸ることができ、そしてもう一度冒頭から聴きたくなるというもの。もう何百回、何千回と耳にしているであろうこの音楽にこんなにも「新鮮さ」を感じたのはいつ以来だろう。

無欲のベートーヴェン

巷では評判の高いクリスティアン・ティーレマン指揮ウィーン・フィルによるベートーヴェンの交響曲全集は、曲によってどうもムラがありそうだ。本日の早わかりクラシック音楽入門講座ではベートーヴェンの第5交響曲を俎上にあげた。作曲家の生い立ち、時代背景、そして楽曲の構成など、2時間をフルに使って解説し、音盤を聴き、映像を観ていただいたのだが、朝比奈先生が最晩年に収録した大阪フィルとのものを第1楽章のみ視聴し、そして全曲演奏は先のティーレマンによるものを観た。
ティーレマンのこの全集、時間の関係でいまだそのすべてを観ることができていないのだが、先日聴いた第1番と第2番については、青年ベートーヴェンの初々しさと溌剌さを失わずに、しかも堂々として安定感のある演奏だったからとても感動し、即座に好感を持った。その経験から本日の講座にて初めて第5交響曲を全曲通して聴いたのだが、残念ながら僕的には少し「？」のつく演奏だった。何だかテンポの伸縮や音の強弱が見事に恣意的に感じられ、入念に楽譜を研究した末の成果なのかもしれないが、正直あまり良いとは思えなかったのである（いやこれは単なる好き嫌いの問題かもしれないけれど）。